“音乐对我来说一直都是最好的表现方式和传递方式，我从来没有想过假如不弹钢琴会做什么，我觉得连这种想象本身都是对钢琴的一种背叛。”
我并不想说李云迪很超脱，他已无须刻意而为，他是一个自转的轮。
李云迪：唱片（《肖邦精选》）是在德国柏林市郊一个录音室完成的，当时觉得那些专业录音设备和制作原理很神奇。
普莱特涅夫：音乐不只有音符，还要有灵魂与心。有人可以正确无误地弹出所有音符，但在音乐上却是完全错误的。
美国哥伦比亚艺术家管理公司总裁维福：“毫无疑问，这位来自中国的年轻人将成为继小泽征尔后又一位征服世界的亚洲人。”
一
李云迪11岁的时候，第一次接触到镭射激光唱片，也就是CD。当时镭射音响在国内刚开始售卖，只有少数人家才消费得起。有一次张小鲁带儿子到朋友家做客，第一次见到镭射激光音响和唱片，优美的音质和奇特的播放形式让李云迪深深着迷。虽然根本买不起音响，可是为了安慰儿子，张小鲁狠心花了100块买了张CD，是阿劳的钢琴曲集，至今她还记得李云迪将CD举在手上，兴高采烈地说：“将来我也要出一张这样的激光唱片！”
2001年12月5日，李云迪儿时的无心之言终于实现了，他的首张古典音乐唱片《肖邦精选》终于问世。在专辑里，他充分发挥了肖邦钢琴比赛金奖得主的精湛技巧，配合高水准的录音技术，使这张唱片成为DG旗下黄标品牌的又一经典。
当我与李云迪见面时，他这样评价自己的首张专辑：
“专辑里的曲目都是我自己选择的，当时年龄还小，所以没有太多经验，思考的空间也有限，基本可以说是肖邦大赛的一个延续。这张唱片中我个人的想法很少，只在考虑给听众什么样的音乐，所以自我满足感没有那么强烈。现在出唱片我就特别注重自己对音乐的感受，未必都是唱片公司想要的，但一定都是我自己想要的，这需要对艺术坚定的信心和坚持。”
“DG唱片公司的确给了你最大的肯定和信任。”
“是的。像DG这样的老牌古典唱片公司除了首先考虑唱片的商业价值，还很注重声誉，这个无形资本不是单靠销量来决定的，必然要体现唱片的艺术价值。唱片公司很尊重我个人的意见，这种尊重也是经过前两张唱片的考验，所以现在我在唱片公司有很大的自由空间。”
“你录一张专辑通常需要多长时间？”
“单曲通常要三天，一天大概三个小时，基本上我不喜欢太久，在我准备好的情况下，到位的弹奏一天中只有一次。因为音乐灵感很难捕捉，灵感到了也是弹奏的最佳时机，唱片公司后来也接受了我这种录制的方式，逐渐与我达成了默契。”
“我们回到你的首张专辑《肖邦精选》，尽管现在你不太满意自己当初的表现，但这张专辑却获得了成功。你在录制该唱片的时候，是怎样一个情形？”
“唱片是在德国柏林市郊一个录音室完成的，当时觉得那些专业录音设备和制作原理很神奇，”说到这里，李云迪似乎来了情绪，看得出他对电子机械的兴趣非常浓厚，“你想想，把声音信号变成电信号，然后通过信号放大、调频、组合音响的均衡、人工混响等等技术的合成，一张唱片就诞生了，我觉得这很奇妙，虽然有人说唱片是‘罐头里的音乐’，但制作这个‘罐头’的过程相当有趣。而且在录音棚里的感觉很平和，有时间去推敲自己的音乐以求完美，这和现场演奏完全不同。”
“你听自己的唱片是什么感觉？”
“基本上我很少听自己的唱片，因为我不想我对音乐的表现产生出一种固定模式，据我所知大部分钢琴演奏家似乎都是这样，当然我不是刻意效仿他们这样做。我想要的是一种对音乐的原始冲动，听唱片可能会妨碍我这种感觉，我喜欢在不断的演奏里即兴获得一些新的灵感，那是一种很美妙的感觉。”
我看过李云迪录制这张唱片的影像资料，印象最深的是他脸上乖顺的笑容。他到达录音室的时候，工作人员刚开始调试设备，于是他默默地站在制作人克里斯托弗·阿尔德的身后，好奇地观察他们所做的一切。当阿尔德回头突然发现他的时候，李云迪做了个小小的鬼脸，非常孩子气。紧张的录音工作便在笑声中开始了。
镜头始终追随着李云迪，这让他有些不自在，可是一旦坐在钢琴前面开始弹奏，他就一扫拘谨，整个人立刻显出一种气势，任何人、任何事都不在他的世界里了。
DG动用了欧洲最杰出的录音技术力量打造这张专辑，首次与李云迪合作的阿尔德便是公司首席唱片制作人，足可见DG对这位新人的娇宠。
“录制工作非常顺利，李是位很棒的年轻人，很可爱，和他合作起来非常愉快。”阿尔德这样说，“李在音乐中的表现是杰出的，虽然只有19岁，但可以与任何比他年长的人媲美……他对音乐有自己的理解，而不是简单的模仿。演奏肖邦作品时要追求旋律的自由奔放，但同时肖邦作品的结构非常清晰，如果掌握不好节奏便会偏离整体，所以必须用一种严谨的方式去演奏，但旋律还是需要通过双手来展现，这很难把握。但在他来说不成问题，更难得的是他的演奏还拥有歌唱般的音色。李是一个非常认真，非常追求完美的人，有时他会说‘这些我在现场演奏可以做到，但现在我还没达到最佳状态’，显然他很清楚自己想要的效果，他也完全有能力通过他的演奏技巧来完成它。”
这张万众期待的唱片一经问世便畅销全球。在日本发行短短几周内，销量竟然突破10万张，并迅速向20万张挺进，创造了当年日本古典唱片的销售奇迹。在日本宣传期间，李云迪被安排和与他长相相像的日剧明星木村拓哉见面，日本NHK电视台更是破天荒为此制作了两次特辑。
港台亦趋之若鹜。12月9日，专辑在香港首发，第一天便超越金唱片销量，打破香港有史以来古典音乐的唱片销售纪录；销售10天便超过三万张，创香港古典唱片发行历史的最高纪录；同年，这张专辑获得IFPI香港唱片销量发行白金大奖。《肖邦精选》在台湾同样成为焦点，台湾媒体称李云迪是“新世纪的华人之光”。
一直以来，盗版的猖獗使原本一蹶不振的古典音乐唱片市场更显萧条，李云迪的唱片却能创造这样的销售纪录，不能不说是一个奇迹。DG唱片公司副总裁佛瑞德·霍尔斯特称：“首张专辑的成功证明了我们的眼光和李云迪的演奏实力。”
2001年12月19日，李云迪在北京举行了首张专辑的中国内地首发式，引来了近百名中外记者及音乐界知名人士的捧场，他当场宣布：每售出一张唱片，将为联合国儿童基金会捐赠四块钱。
二
《肖邦精选》共收录了肖邦的九首曲目，DG编号：471 479-2.在唱片的介绍文章中这样写道：
今年9月，李云迪在柏林知名的Teldec Studio灌录他的首张专辑，曲目包括最动人的练习曲与夜曲及第三号钢琴奏鸣曲、波兰舞曲、幻想即兴曲。李云迪无懈可击的技巧当然毋庸置疑，难得的是他精准地运用弹性速度，还有对肖邦情感世界的深刻理解，完美诠释出这些经典的钢琴曲目里深邃的诗意，以及不朽的浪漫精神。
1.《b小调第三钢琴奏鸣曲》（作品第58号），曲长：26′27″
基本情调是明朗的抒情，予人以积极、乐观的美好情感。共四个乐章：
第一乐章很富于对比性。主部是肖邦特有的刚毅果断的形象，激昂的“呼声”与严峻有力的进行曲交替出现；继而，连接部几个不大的主题带来苦痛和心慌意乱的形象，与副部旋律形成强烈对比，因此在柔和的“夜曲式”琶音伴奏背景下，副部真挚如歌的旋律尤为动人，它从温柔妩媚发展为热烈冲动，最后变为明朗的梦幻；优美动人的结束部则给人一种宁静安详的感觉。
肖邦在快板乐章使用了抒情的手法来解决戏剧性的冲突。第一部分带着阴沉甚至不祥的色彩，把主部的语调加以发展；第二部分比较明朗，再现部的副部保持着抒情色调，但变得比较热情；结尾处，喜悦的心情和力度急速增长，最后是几个响亮的、凯旋的和弦，这个简短的结尾预告了末乐章豪迈乐观的尾声。
谐谑乐章中，谐谑曲的头尾两端均匀、轻盈、快速地进行，好像眼前闪过一些虚无缥缈的形象；中段是肖邦音乐中一个最独出心裁的范例，严谨质朴、圣咏般的和声，柔和真挚的内声部与庄严宽阔的基本旋律相呼应，表达了一种凝神沉思的心绪，然后出现了“号角般的”八度，增添了一些惴惴不安，但立刻又恢复了宁静沉思的气氛，这段天才的音乐中，肖邦以非常含蓄的表现手法表达了极为深刻的情感意境，刻画了人在大自然怀抱中的崇高与静谧；广板描写的是另一组明朗浪漫的形象：第一主题以清晰的旋律线条和朴实素净的伴奏形成崇高、纯洁、静穆、庄严的化身，歌唱性与宣叙调性相结合的旋律表现力由匀整的几乎像进行曲一般清晰的伴奏衬托出来。
末乐章开始，几个威风凛凛、号召性的和弦小节打破了安详抒情的气氛，给三个主题的出现作了准备。第一主题激昂又坚决，节奏平稳坚定，音调雄壮有力，但稍带有惊惶不安的色彩，起初镇静沉着，可是马上变得精神奕奕，织体也变得错综复杂起来，此主题也是奏鸣曲最有戏剧性的音乐形象；第二主题庄严巍峨、欢乐鼓舞；第三主题则具有轻盈的谐谑曲风味。三个主题所陈述的音乐形象中有奏鸣曲因素，可是肖邦却用浪漫自由的手法来处理回旋曲的古典结构。结尾是光彩夺目、欢度胜利的大调性结尾，好像震撼山岳的欢呼声一般。
第三奏鸣曲是肖邦最具专业性质的正式作品，听得出李云迪在弹奏时所耗费的内力、心智、本能和专注精神。他注重的是平衡感，体现在作品的整体乐思之重与飘逸的零碎细节之轻、极为流畅的旋律推进与讲究中断和转折的和声设计之间的那份平衡感。最难得的是他的演奏织体非常清晰，那种平稳自信的气质和在结构上所创造的惊人的透明感，以及华丽大胆的技巧是很少有人能做到的。但技巧不是主要的，他的演奏让人着迷之处在于他浓重的浪漫气质以及传达出的作品精髓，即音乐的灵动性。
李云迪具有非凡的音乐理解力和演奏技巧，擅长用自然的手法处理每一个音符。在第一乐章里，反复的呈示部弹奏得相当漂亮，是一种完全不同的重复。从音乐方面来说，他具有所有钢琴家的优点和天分；从技巧上说，他融会了所有钢琴家的演奏技巧。
2.《降E大调波兰舞曲》（作品第22号），曲长：5′01″
是肖邦早期的波兰舞曲中最成熟、最大型的一首，是音乐会体裁的作品，因此音乐会演奏用的性质表现得很明显。从整个音乐性、戏剧构思原则来说都与肖邦的协奏曲相近，从其民间节日气氛，灿烂的技巧性，回旋曲的架构，充满力量、富于发展尾声等特点来看，很容易把它当作套曲作品的末乐章。于是，肖邦作完此曲的几年后又补写了一个宁静抒情的引子，充当协奏曲的中间乐章，然后放在一起发表，题为：《前有平稳的行板的华丽大波兰舞曲》。因此，这首乐曲分为流畅的行板和波兰舞曲两部分，行板部分令人想起悠闲安静、光芒四射的湖，轻快的小舟滑行在透明平静的湖面上，偶尔有岸边的倒影，然后小舟又继续滑行。
这是李云迪在肖邦大赛上获得“波兰舞曲最佳演奏奖”的曲子，也是他最钟爱的作品之一。他的演绎具有独特的个性，一听就知道是“李云迪式”的，而不是被无数普通版本所淹没的泛泛之音。
3.《a小调练习曲》（作品第10号之2），曲长：1′27″
肖邦的练习曲将技术上的难度与优美的性质结合起来，产生所谓“颤动的音乐图画”，从表面堂皇的技术性乐曲变为真正艺术性的作品。他的练习曲具有鲜明的创作思想以及丰富独创的艺术形象，即使从纯钢琴技术的角度来看，这些练习曲也是无可比拟的。尼克斯评价其“健康而又新鲜，又像是沐浴在梦中所见的哀调之中”。肖邦共写了两组练习曲，每组12首，另外两首则是为演出而作。
这首a小调是半音阶技巧练习曲，主要针对右手最弱的四、五两指的训练，也是为旋律、和声、节奏以及情绪表现用的练习曲。有阴郁、微妙的纤细心理表现蕴含其中，快板，三段体，中段转为F大调，第三段为第一段之反复。
这是一首不动声色的曲子，其演奏需要的技巧要求十分严格，虽然听上去丝毫感觉不到技巧的高深，却让人深深体会什么叫技术完全为音乐服务。
乐评称：李云迪的弹奏，让人从清脆圆润的音流里感受到心醉的美。
4.《降G大调练习曲》（作品第10号之5），曲长：1′43″
也称《黑键练习曲》，此曲要求右手只限于弹奏钢琴的黑键，左手和弦支持。乐曲充满幽默、天真、近乎孩子气的欢跃，常使听者为之神往。
李云迪对该曲的诠释秀丽而轻盈，优雅而生动，让人眼前一亮。
5.《a小调练习曲》（作品第25号之11），曲长：3′46″
被称为《冬天的旋风》，在短短四个小节引子后，“旋风”般的华彩开始，充满阴沉严峻的气势，这是一个突如其来的转折，使进行曲式的主题给人以特别强烈的印象。彪罗说在这首练习曲里，肖邦消除了钢琴曲与管弦乐之间的界限。
评论称：最能体现李云迪特质的当属几首练习曲，肖邦那种融艰深的技法教学和精致的艺术为一体的感受被他演绎得酣畅淋漓。
6.《降b小调夜曲》（作品第9号之1），曲长：5′48″
肖邦天性敏感、多情、富于幻想，因此夜曲的曲式极易发挥他浪漫主义的抒情才华，他本人也很喜欢这种体裁。肖邦的夜曲突破了费尔德创造的体裁朴素的牧歌形态，增添了热情、戏剧性、悲剧性的气息，使之更壮丽，并以全新的浪漫主义钢琴音乐语汇，使这一体裁臻于完美境界。
《降b小调夜曲》为甚缓板，三段体，中段由八度音奏出降D大调。尼尔斯评价：充满了梦中饱满的甜蜜快乐，那是把黄昏、夜的寂静，以及这产生的一切都淋漓尽致地表现出来。温暖如梦境中最甜美的花香阵阵飘来。
李云迪在演奏中显示了自己独特的音色，准确抓住了音乐的内涵。他的演奏在静谧遐想的主导情绪中突出了更多的对比性，非常具有个人风格。
7.明朗的、田园风的《降E大调夜曲》（作品第9号之2），曲长：4′25″
作于1803—1831年。这时期，年轻的肖邦来到充满艺术情调和浪漫气息的巴黎，对爱情满怀憧憬，所以乐曲明朗而热情。
回旋曲式，行板在左手伴奏下，右手在装饰音中始终保持华彩咏唱。哈涅卡认为此曲应为“纯粹的触键”。这是肖邦夜曲中最明朗的一首，没有强烈的对比，没有惶恐和怨诉。音乐形象的变化发展也没有超出安宁抒情的氛围，它将美丽的夜色、凝神的沉思、热烈的爱情表白糅合在一起，有着静观的诗意。
李云迪将这首清澈流畅的夜曲诠释得相当漂亮，将钢琴的歌唱性及夜曲的旋律性恰到好处地发挥出来，他指下的肖邦音乐呈现出一种朦胧甜美的、大自然夜景的意境。
8.《升F大调夜曲》（作品第15号之2），曲长：3′35″
是一首非常美的夜曲，尼克斯评价：外界温暖的光渗透到心里，装饰的华彩音像蜘蛛丝似的飘然而舞。第一段为甜蜜的回忆，中段为不安的情绪，但阳光并不失去其温暖，反而稳住了沉着的情绪，像是夏日遥远的天空，一道彩雾慢慢地消失。
李云迪曾说：“如果过分强调每一个乐段的旋律性与歌唱性，又可能将作品变成一堆精致的碎片。”这首乐曲的演绎突出了他这种理念，收放自如的表现力源自对作品精准的认识。
外界评论李云迪演奏的三首夜曲“弹得像被洗过似的一尘不染，音色仿佛丝绸般光滑柔软”。
9.《升c小调幻想即兴曲》（作品第66号），曲长：4′59″
肖邦一共作有四首即兴曲，哈涅卡说：肖邦的即兴曲是在自由性中有一贯的形式，看似自由、独特，却可以感受到构成上的严密。四首中脍炙人口者是第一号与第四号，最具即兴要素的是第二号。
升c小调即兴曲作于1834年，在遗作中发现，肖邦之所以没有发表该作品，是因为该曲的第一主题与莫舍列斯的《降E大调即兴曲》第一主题很像，容易产生剽窃之嫌。
第一段是激动的快板，左右手音型急速交合产生的幻想，从织体上来说是一种手指练习曲；中段为肖邦最优秀的明朗如歌的抒情篇章之一，意味深长、温存迷人，旋律的发展也特别流畅，紧接着重复第一段，但更加激越强烈，然后趋于平息；尾声为中段旋律在低音部的反复，安详如歌的主题酝酿出一种余韵袅袅的效果。
这首曲子曾被无数人演奏，李云迪自己也很喜欢弹它。整个曲子一气呵成，透着清晰可触的激切情绪。
评论称：能被演奏得那样光彩照人，活力四射是不多见的。可以说是整张唱片中弹得最浪漫张狂、率性而为的，以此曲为镇尾之作，预示着李云迪将来的艺术走向。
对于李云迪这张《肖邦精选》，外界都给予了很高的评价。
《爱乐》杂志总体评价：
这张唱片带有回归主流肖邦的意味，没有革命性的突破，不过，即使用挑剔的耳朵细细地听，这张CD也相当精彩。总体来说，这是一张个性内敛、符合大众口味，但又具专业顶尖水准的唱片。
《留声机》：一张完美的亮相大碟向世人介绍了一位罕见的“钢琴诗人”。
《时代周刊》：重要的是他非凡的诗人天赋与音乐结构的紧密融合……
《唱片论坛》：他具有明星的气质……
音乐评论家Mckellar评价：
肖邦的音乐世界里有了齐默尔曼与基辛的继承人，年轻的李云迪具有一切能把肖邦诠释得极好的特征，这里包括了需要用来表达音乐的好技巧和高度音乐敏感力、洞悉力，一个如此年轻的钢琴家就已经具备了这些素质是不寻常的。
这是一个直接自然的肖邦诠释，没有不当的个人色彩，没有不当的波动，也没有不当的节奏而扭曲了肖邦的音乐。李云迪抓住了要点，直截了当地进入音乐，所弹奏的音符是感性的，完成了作曲家想要表达的感情，他不以展现技巧为目的，而使技巧成为工具，第三奏鸣曲的末乐章以及大波兰舞曲即是例子。
李云迪的肖邦集美与浪漫、歌唱性于一体，这是从别的钢琴家那里听不到的。
为了推广《肖邦精选》的发行，DG公司运用了在古典音乐界比较少见的宣传手法：举行发布会，做签售，甚至现场演奏。对此，许多人产生了质疑，认为以“偶像明星”的手法包装音乐家不适合古典音乐这样严肃的艺术。
对此，李云迪当时回答：“古典音乐的销量取决于艺术成就，而不是宣传效果，不管包装与否，没实力不行。唱片公司为推广唱片，给我安排许多宣传活动是天经地义的事，我希望有更多的人喜欢和接受古典音乐，因此只要不影响我的学习和演奏，我一般很乐意配合。”
当我今天再问同样的问题时，他这样说：“古典音乐唱片的境遇一直不景气，公司当初的宣传也是为了确保销量。我前两张专辑的确动用了庞大的宣传力量造势，比如安排在香港某个大商城弹奏价值800万的水晶钢琴，在市中心大广场上面对上千人演奏。刚开始我全力配合，以为通过这种宣传能使更多的人喜欢古典音乐，可后来就开始厌倦这种嘈杂的商业活动，这不是我想要的。能推动古典音乐的只有古典音乐，不是充满噱头的宣传炒作，艺术的纯粹也在于此，因此应该‘让音乐开口，其他都闭嘴’。所以从第三张专辑开始，我的态度很明确，尽量避免参加这类宣传，将时间和精力集中在自己的音乐上。”
在谈及大师们对肖邦诠释风格的不同时，李云迪说：“普莱特涅夫的演奏是天才式的，很难仿效；阿格里奇很有魔力，演奏状态特别随意，而且她具有拉美人的狂放热情；帕蒂的第三奏鸣曲是公认的权威，他的演奏感觉亲切，音乐性很强；波利尼很谨慎规矩、气度方正。每个人都有属于自己的独特之处，光是欣赏就足够愉悦了。”
“我记得好像你说过很喜欢鲁宾斯坦？”我很奇怪他没有提到这位钢琴大师。
“对，我以前说过我很喜欢他，现在仍是，因为他能诠释音乐不同的内涵，这是公认的。其实我非常喜欢李赫特，我很欣赏他的演奏，在他的演奏当中，我能体会到更多哲学的东西。简单讲，他的演奏渗透力很强，所谓渗透是指当一个乐句产生出来，能够直接感受到它的意境，这种表现用钢琴直接传达出来非常不容易，这需要对钢琴本身的一种掌控技术，需要对乐曲有来自心灵的理解和沟通，就是说理解乐曲开头所要传达的意境，语气是怎样的，造型又是怎样的，就好像衣服的剪裁一样。”
“刚才你提到演奏家的风格，那么具体到演奏体现在哪里？”
“这涉及到一系列的声音概念，演奏的强弱、轻重、快慢、缓急，感情以及声音色彩的对比和变化，想象力，还有就是音乐形象，就好像一个剧本有很多角色，每段旋律充当什么样的角色，所有这一切构成了一个演奏家的演奏风格。”
“有没有想过要挑战以往的音乐大师，去超越他们？”
“这个从来没想过，因为我相信我对音乐的感觉，我享受音乐，享受音乐的美。我记得有人曾说‘在音乐里永远不存在竞赛，只有马才竞赛’，这话很妙。假如总想着要超过别人，和别人去比、去争，音乐就变得浑浊了，人也变得浑浊，就会丧失自己。我觉得任何人不论做任何事都不应该有攀比心理，这是一个陷阱，而且是自己制造的。我听过一句话说得很好，很多人都想方设法使自己幸福，但他们实际上所追求的是怎样使自己比别人幸福。”
三
2002年2月，世界著名交响乐团之一的俄罗斯国家交响乐团（Russian National Orchestra），由乐团创建者普莱特涅夫率领，在北京人民大会堂举办了两场“太合之春”交响音乐会，这是该团建立12年来的首次访华。作为表演嘉宾，李云迪获邀与乐团合作演出肖邦《第一钢琴协奏曲》，这也是他首次在国内与世界一流乐团合作。俄罗斯国家交响乐团作为DG公司的签约乐团，此次演出更可看作是同门合作。
集钢琴家、指挥家、作曲家于一身的米哈伊尔·普莱特涅夫（Mikhai Pletnev），是当代乐坛不可多得的音乐全才，精通七国语言。他于1957年4月生于俄罗斯北部，13岁保送莫斯科中心音乐学校，师从季马金，16岁赢得巴黎国际青少年钢琴比赛第一名，翌年升读莫斯科音乐学院，成为钢琴家弗莱尔的入室弟子；1977年、1978年分别参加第五届全苏钢琴家比赛及第六届柴可夫斯基国际音乐比赛，均获首奖；1990年，已有10年指挥经验的普莱特涅夫创建了俄罗斯国家交响乐团，其杰出的指挥才能体现于短短十多年间，将乐团提升为与柏林爱乐、维也纳爱乐等齐名的世界顶尖级乐团，被国际媒体和音乐界称为“音乐史上空前的奇迹”，普莱特涅夫则被称为“不可思议的指挥家”。
作为一名优秀的钢琴家，他的钢琴演奏音色坚实、技艺一流，充满鲜明的个性与智慧的闪光，英国BBC音乐杂志评论他的斯卡拉蒂钢琴奏鸣曲是“最伟大的钢琴演奏”；他诠释的李斯特钢琴作品则展现了他与生俱来的大师风范和奇妙的钢琴旋风绝技；他弹奏的肖邦作品被评论家誉为“令人惊诧、近乎震撼的演绎”。
此次合作可以看作是“两代钢琴天才的对话”，而这两位同样以演奏肖邦著称的钢琴家联袂展示肖邦钢琴协奏曲，无疑又是百年难遇的音乐盛景。
对于这次在北京的演出，国内外音乐界及古典乐迷给予了高度关注。为此，记者在演出之前分别采访了普莱特涅夫和李云迪，两人围绕着音乐和钢琴进行了一场不见面的对话，现摘录如下：
关于对方
普莱特涅夫：李云迪很年轻就获得了肖邦钢琴比赛的第一名，而且是15年来的第一名，很了不起，我期待着和他的合作。
李云迪：这是我第一次在自己国家与世界著名乐团，著名钢琴家、指挥家合作，我感到十分荣幸。对我来说，这是一次很难得的学习机会。我很早就知道普莱特涅夫，他是钢琴家出身，后来又成为指挥家，很了不起。
关于钢琴演奏
普莱特涅夫：音乐不只有音符，还要有灵魂与心。钢琴家可以透过自己的感受唤起记忆，这完全是个人的，而且只有瞬息，除非他们能赋予艺术性的表达。有人可以正确无误地弹出所有音符，但是音乐上却是完全错误。我想把钢琴和我完全融为一体。
李云迪：普莱特涅夫的演奏极具个性，无论在音色的变化控制还是在乐句的细节处理上，都极富创造力和想象力，他在作品中的表达往往给人耳目一新的感觉。同一首作品，他来弹，第一感觉就是：“哇，还可以这么弹！”
我觉得普莱特涅夫和其他一些钢琴家不同，比如有人对波格雷里奇的诠释提出过异议，觉得他的演奏完全违背了作品。而普莱特涅夫却很有逻辑性，他十分尊重原作，同时又能将作品表现得非常有个性和生动。
关于录音
普莱特涅夫：录音要注意声音的均衡，而音乐会则要注意坐在最后面的听众都能听清楚。录音的环境不够自然，当我感觉到麦克风已经不能打扰我后，我就可以开始工作。我会尽量设法可以不要剪接，最理想的情况是从头到尾的完美演出。
李云迪：刚刚在DG发行了第一张唱片，所有曲目都是肖邦的独奏曲。就我现在来讲，艺无止境，这张唱片只能作为我19岁时候的演奏记录。
关于指挥
普莱特涅夫：当代许多钢琴家后来都拿起了指挥棒，比如普列文、阿什肯纳齐等。对我来说，钢琴只是音乐的一部分，指挥却让我完全领悟如何扮演钢琴家的角色。优秀的钢琴家一定是优秀的作曲家，优秀的钢琴家必须对乐团了若指掌。
李云迪：这次和普莱特涅夫合作演奏将会使用他修改的曲谱。他的改动主要是第三乐章的乐队方面，增加了乐队的比重。钢琴家指挥钢琴协奏曲，相信能够配合得更加默契。
万众瞩目的合作终于在2月3日拉开帷幕。音乐响起，所有听众屏气凝神，甚至连咳嗽一声也不敢，生性错失某个细节。
资深乐迷都听得出李云迪此次弹奏的肖邦钢琴协奏曲，与他2001年在获奖音乐会上的弹奏有所变化，他的表现更显成熟和自信，使钢琴乐器本身的表现力与美感得到了充分挖掘。他能够自由地以无法压制的热情和才华点亮音乐的任何部分，奏出开阔的、情感浓烈的、有时接近英雄式的浪漫，这种健康而雄辩式的肖邦既独具特色，又贴近了作曲家原创的心意。
普莱特涅夫极富魅力的手势依然完全“指随意走”，是彻底的即兴，但着重细节的挖掘、旋律性和歌唱性，使乐曲的韵律感发挥到极致。他以作曲家的敏锐眼光，适当调节乐曲各声部的比重，使钢琴与乐团精确巧妙的衔接浑然天成，即使在乐曲最不和谐、最无调的部分，令他手中的音乐覆盖在一种特有的气质之下。
当我和李云迪回顾这次演出时，他仍旧记忆犹新，他说很珍惜和大师们合作的机会，每次合作都会抱着学习的心态虚心求教，除了共同探讨音乐以外，让他印象最深刻的是大师们平易谦逊的作风，这使他了解到音乐的境界以及音乐家的境界。
“我很高兴能够和一些乐团合作，”他对我说，“我不会太在乎合作的乐团是否知名，最重要是看指挥，我希望指挥能配合和支持我的理解来诠释乐曲。当然，艺术没有绝对标准，成功地演绎需要演奏家、指挥以及乐团之间相互磨合达到一种默契。一般来讲，钢琴协奏曲中钢琴演奏者对作品的理念，对整个乐曲的诠释起着决定作用，假如演奏者与指挥的理解不同，通常指挥会向演奏家作一定的妥协。很庆幸，与我合作过的指挥都很了解我想要什么。”
结束了2月的演出，李云迪回到汉诺威享受轻松的校园生活，每天专心练琴、听唱片、研究他的音乐。他非常珍惜这种宁静的孤独，无论于他还是音乐都是一种很好的梳理和反省。
“有没有想过如果不弹钢琴，你会做什么工作？”有一次，我这样问他。
“音乐对我来说一直都是最好的表现方式和传递方式，我从来没有想过假如不弹钢琴会做什么，我觉得连这种想象本身都是对钢琴的一种背叛。”
我并不想说李云迪很超脱，他已无须刻意而为，他是一个自转的轮。
既然音乐是钢琴家最好的传递方式，那么自然少不了传递的途径。2002年，李云迪继签约德国DG唱片公司后又签订了一份重要合约，标志着他进入了国际商业演出的主流。他与美国哥伦比亚艺术家管理公司签订了演出合约，成为首位由公司总裁维福亲自担任其全球经纪人的中国钢琴家，这位曾经成功地将无数艺术家推上国际舞台的著名经纪人说：“毫无疑问，这位来自中国的年轻人将成为继小泽征尔后又一位征服世界的亚洲人。”
哥伦比亚经纪公司以其独到的艺术眼光和推广能力举世闻名，旗下的艺术家有已故指挥界泰斗卡拉扬，当今最具声望的指挥大师詹姆斯·列文、小泽征尔，上世纪最伟大的钢琴大师霍洛维兹、阿格里奇，小提琴家肯尼迪等，所代理的乐团有柏林爱乐乐团、中国爱乐乐团、伦敦爱乐乐团等世界一流乐团。
这份合约意味着李云迪从此踏上了职业演奏家的道路，他将在世界各地的著名音乐厅举办音乐会，也将有更多机会与一流的乐团和音乐大师们合作。
