在京剧界，有“刻模子”与“改模子”之说。所谓“刻模子”，就是师傅怎么教，徒弟怎么学，一模一样，好像一个模子里刻出来的，是模仿和继承的过程；所谓“改模子”，就是徒弟在掌握师傅传授的表演以后，有所突破，有所改变，是改革和创新的过程。“刻模子”是基础，每个演员必过之关，“改模子”是创新，多数演员未必能够走到这一步。不光京剧，昆剧、婺剧等传统戏剧莫不如此。
死刻模
以前进入京剧科班学戏的学徒，一般以七年为期，才能满师。学徒进门以后，先练基本功，每一门、每一项、每一招、每一式，都要跟着师傅学习，不能走样，这就是死“刻模子”。清朝后期的金华昆班，学徒期限是五年，先跟班学习四年，再到苏州的昆班里跑一年龙套，才能满师。民国时期婺剧的各种科班，一般学制三年，三个月出红台，边学边演、边演边学。无论是七年、五年，还是三年、三月，都要求学徒死“刻模子”，练好基本功。
婺剧表演是一门综合艺术，讲究程式——“四功五法”。譬如训练眼睛的技法，首先是练让眼睛能够随意转动的基本功，包括使眼珠分左右闪动，画圈转动，远视、近觑、翻转等；再进一步，则需要结合情感，将眼神的内容为分正眼、斜眼、喜眼、怒眼、呆眼、痴眼、冷眼、睡眼、病眼、贼眼、色眼、媚眼、妒眼、死眼等项进行专门训练。又如常用的装饰腔唱法就有枣核腔、喇叭腔、宝塔腔、疙瘩腔、啜腔、带腔、垫腔、嚯腔、豁腔、卖腔、拿腔、揉腔、擞腔、温簪、颠落等多种。其他步法、笑法、苦法、开打、耍翎子、耍扇子，无一不是各自有着多样基本表演方法，一个演员如果不掌握基本功，在舞台上势必左支右绌，寸步难行，就像一个婴儿还不会走路，如何奔跑？
著名昆剧表演艺术家俞振飞有这么一段深情的回忆：“（父亲）要我认真地‘拍曲子’，就是一遍又一遍地跟他唱同样一支曲子。每一支曲子，他要我唱一百遍以上。如果唱的过程中，有一字一腔被他认为不够准确，就要重唱一百遍。所以，我甚至一支曲子唱到四百遍。我虽然从小培养起了对昆曲的爱好，但这样几百遍地唱，毕竟感到枯燥乏味。我唱几遍，至多十几遍，一段曲子就学会了……后来，我二十多岁了，别的朋友找我学曲子，我在给他们‘拍曲子’时才体会到，要是没有拍几百遍的基础，就唱不出韵味来。”梅花香自苦寒来，这是最生动的注解。
活改模
“刻模子”有两个层次：第一个层次，跟着师傅勤学苦练，掌握婺剧表演的基本功，力求做到形似；第二个层次，在舞台上经过自己的摸爬滚打，力求做到“神似”。到了四十来岁，人届中年，体力充沛，精力旺盛，阅历丰富，艺术精进，该从师父处学的，都已学到手了，表演上得心应手、融会贯通了，少数优秀的演员，才到了“改模子”的阶段。
要“改模子”，跟科班时期相比，如今有不利因素，也有有利因素。不利因素主要是受市场经济的冲击，婺剧的演出市场不景气，演员更多地考虑生计，对舞台生涯没有信心，往往三心二意，基本功练得不扎实。有利因素更多：一是现在已经破除门户偏见，可以转益多师，从不同的老师那里学到不同的功夫，而不像以前那样，只能从一而终；二是科技发达，演员可以方便地通过音像资料、网络视频，学习兄弟剧种的表演精华，突破时间、空间的限制。
活“改模子”，不乏其例。譬如浙江省金华市婺剧团重排的《二度梅》，主演范红霞就是继承了老师朱芸香坐辇、攀藤、跳崖、漂浮的特技，并有所创新，其中就包含“刻模子”和“改模子”两个不同的层次。婺剧表演在传统上没有水袖，而在金华市婺剧团排演的《红梅阁》中，主演范红霞把水袖运用得出神入化：李慧娘在半闲堂索命时，一手持扇，一手水袖飞舞，上身后仰，几乎达到九十度，保持平衡；在鬼怨一场，李慧娘舞起了双水袖，包括甩、接、转等一系列动作，这已经超越了“刻模子”的阶段，变成“改模子”了。
刻而不改
二十世纪五六十年代，婺剧界还培养了郑兰香、吴光煜等一批优秀表演人才，甚至比他们的老师有所创新、有所发展，前期模子刻得死，后期模子改得活，兼收并蓄，为我所用，形成了各具一格的表演内格。但改革开放以来，虽然也培养了一批又一批婺剧演员，但总体水平已不如从前。这并非宣扬一代不如一代的“九斤哲学”，而说明“改模子”的艰难。正像浙江婺剧团已故著名鼓师范志贵对弟子说的那样：“如果能够创新，我老早创新了，还轮得到你们？”
有句古话叫作“取法乎上，仅得其中”。一般来说，师父有一桶水，徒弟往往只有半桶水。“刻模子”要刻得死，已属不易，“改模子”要改得活，那就更难了。一般的徒弟，能够基本掌握师父传授的衣钵，就算不错了，要超越师父，进行创新，难于上青天。所以，大多数徒弟一辈子都在“刻模子”，没有走到“改模子”的那一步。
现在从正规艺术学校毕业的演员，还算刻过模子。在校多年，除了学习基本功以外，还要学习文化课，已经不可能像科班时代那样专心致志了，刻得像不像还难说，更遑论“改模子”了。
话说回来，在这个人心浮躁的时代，能够坦率地承认自己的功底不实、造诣不深、无法超越师父的水平，一辈子只能老老实实、一丝不苟地“刻模子”，已经阿弥陀佛了。
未刻先改
糟糕的是，如今很多民间剧团的演员没有经过专业的基本功训练，不过对着音像资料，依葫芦画瓢，自己揣摩。他们不喜欢“刻模子”，却喜欢“改模子”。正如有的专家所说的，同一个戏同一个人物，在不同剧团里有不同的处理手法：在你那里是站的，到我这里就变成坐的了；在你那里穿的是花客衣，到我这里就变成袒胸露臂甚至是穿半透明的时装了；在你那里是全包头的，到我这里是戴新潮的头套了；在你那里画的是花脸，到我这里可以化妆成小生花旦般的白脸堂……不一而足，令观众无所适从。
而专业剧团因为受“文革”和市场经济的冲击，很难说有多少中青年演员能够沉下心来，苦练基本功。况且，现在年轻的八零后都是独生子女，从小娇生惯养，很难吃得起练功的那份苦和累，而科班时代送去学戏的，大多是连饭也吃不饱的苦孩子。
一方面不肯老老实实地练功，另一方面却高喊改革创新的口号。没有继承，如何创新？只剩下一条路——投机取巧，借助先进的现代科技，在舞美、灯光、音像上动脑筋，搞一些大场面、大制作，弄出一些不今不古、不洋不土的“四不像”。
能不能活“改模子”，除了演员先天的禀赋和后天的努力以外，还与外部环境有关。当下处在婺剧不景气的时代，不能过于苛求；但既然入了这一行，吃了这碗饭，就该爱岗敬业，死“刻模子”，练好基本功，才能对得起饭碗，对得起观众。
