17、18世纪，是世界美术史上一个重要的阶段。在这个阶段中，欧洲美术，特别是意大利、佛兰德斯、荷兰、西班牙、法国、英国的美术，都取得了巨大的成就，形成了一个流派纷呈、民族画派繁荣的局面。
17世纪是欧洲封建社会的后期，封建制度日趋瓦解，资本主义迅速发展。不但出现了欧洲第一个资产阶级共和国——荷兰共和国，而且爆发了1640年英国资产阶级革命。这次革命标志着欧洲封建社会将彻底结束，人类历史即将进入一个新的社会阶段——资本主义社会。但是，资本主义在欧洲各国的发展又是很不平衡的。
在此期间，欧洲社会的阶级斗争复杂而激烈，人民运动此起彼伏，它们具有反封建、反殖民、反宗教压迫的性质，同时，也有反资产阶级的色彩。此时自然科学和社会科学的发展也是多元化的，哥白尼、布鲁诺、伽利略、笛卡儿、牛顿等纷纷提出自己的主张，为世人展示了一个前所未见的新时空。
动荡的社会，日新月异的思想观念，波及每一个人的生活，使得人们对世界产生了新的认识。在潜移默化之中，造成了生活方式的更新和思想意识的改变，人们在寻找着适合自己的生存空间，寻找着自己的表达方式。因此，这一阶段的美术形式也是异彩纷呈的，这种多样化是人们生活的一个缩影。
（第一节）欧洲巴洛克美术
17世纪，欧洲艺术在文艺复兴的基础上出现了新的繁荣，无论是思想内涵，还是形式技巧，都有了新的发展，充满了创造性和独特的个性。巴洛克美术就是其中最具代表性的一个流派。
“巴洛克”一词，来自西班牙语的barocco，原意是“畸形的珍珠”。它是产生于17世纪的一种带有形式主义倾向的风格流派。它体现的，是一种奢华、瑰丽的宫廷风格和贵族趣味。作品带有明显的享乐主义倾向，以鲜明饱满的色彩和起伏动荡的曲线，表现出肉感的人体和闪光的绸缎，造成观者的视觉满足感。
巴洛克美术，代表的是以宫廷为主的贵族趣味，它的特点，首先体现为一种华丽性——因为它的服务对象是以王室为主的皇亲贵胄和王公大臣，所以作品的风格力求豪华、绚丽；其次，巴洛克美术力图打破文艺复兴美术所强调的宁静与和谐，而是强调非理性的无穷幻想和幻觉，极力打破宁静与和谐；伴随着这种对宁静、和谐的颠覆，巴洛克美术呈现出一种难以遏止的激情性和运动性；另外，巴洛克美术的特征，还体现为一种强调空间感和立体感的空间性。
一、雕刻
在巴洛克风格的雕刻艺术中，集大成者，就是意大利艺术大师贝尔尼尼。
贝尔尼尼（1598-1680），出生在那不勒斯一个雕刻家的家庭中，自幼随父学艺，打下了深厚的基础。1606年，当他8岁的时候，他随父亲来到巴洛克艺术的中心罗马，在那里显示了他早熟的艺术才能；1622年，他奉诏进入教廷任职，并因功荣获了基督勋章和骑士头衔。贝尔尼尼几乎终身都供职在宫中，在建筑和雕刻领域都很有建树。
在意大利的雕刻领域，可以同米开朗基罗比肩的，恐怕只有贝尔尼尼了。
《圣苔列莎的喜悦》是贝尔尼尼的巅峰之作。圣女苔列莎是西班牙的一位修女，据记载，她年轻时起便患有癔症，每当她发病的时候，就会产生许多幻觉，在她的日记中，就曾经记载过这样一次幻觉：“我看见一位天使正在靠近我……手里拿着一支金箭，箭头上闪烁着细小的火花。他的箭插入了我的内脏，当他把金箭抽出时，我的内脏开始燃烧，那种疼痛是如此剧烈，以致我惨叫失声，但与此同时，我感到一种前所未有的甜蜜，它使我祈求这种痛苦可以永远继续下去，这是一种最最甜蜜的痛楚，它是上帝对我心灵的一次抚慰。”在这段描述中，朝圣者在对上帝的虔诚而圣洁的膜拜中，流露出淡淡的肉体享乐的快慰，一个赞颂灵魂力量的“神圣交感”事件，变成了尘世间的肉体之爱。这恰恰体现出了在17世纪的欧洲，世俗生活的享乐对人有着强大的吸引力，人们的这种生活态度，在宗教中，则体现为将宗教情感世俗化的倾向。《圣苔列莎的喜悦》再现的，就是这样一种介于肉体与灵魂之间的快乐。作品中，苔列莎半依半卧地睡在一片云朵之上，一个小天使微笑着将金箭从她的胸中拔出，她的头绵软地向后仰去，双目半闭，嘴唇微微张开，似乎是在呢喃地呻吟。两个人物都漂浮在一朵蓬松的云朵之上，飘动的衣袂不但减轻了人体的重量，而且烘托出一种飘飘欲仙的境界。起伏不定的衣纹，托举身体的云朵，都造成了一种扭曲、回旋的动势。加上深凹的掏凿手法，更将冰冷、坚硬的大理石变得轻柔、蓬松，显示出迷人的质感。另外，贝尔尼尼还在人物的背景中安装了许多镀金的金属管材，当阳光从雕像上方的窗户照射进来的时候，立即会辉映出一派金光灿烂的辉煌景象。
《阿波罗和达芙妮》是贝尔尼尼的另一重要作品，它讲述了太阳神阿波罗与河神的女儿达芙妮之间的爱情故事：顽皮的丘比特开了一个不大不小的玩笑，他用追逐爱情的金箭射中了阿波罗，却用拒绝爱情的铅箭射中了达芙妮。于是，阿波罗深深地爱上了达芙妮，而达芙妮不但无动于衷，反而拼命躲避阿波罗的追逐。就在阿波罗即将追上达芙妮的刹那，心慌意乱的达芙妮央告自己的父亲：“父亲啊，救救我吧，我的美貌太惹人喜爱了，求求你把它收走吧。”话音刚落，她就变成了一棵月桂树。阿波罗见状，无比怅惘，只能将它的枝条折下，编成桂冠，赏赐给他所管辖的诗人们，以示他对这个女子的纪念。作品选择的是阿波罗即将追上达芙妮，达芙妮在顷刻间化作了月桂树这一惊心动魄的瞬间予以表现。身后，阿波罗的呼吸甚至已经吹动了达芙妮的秀发，而达芙妮的身体却正在被树皮慢慢包裹，她的长发正慢慢化作茂密的枝叶，她的手臂正化作伸展的枝条。作品充满了惊心动魄的戏剧化冲突，贝尔尼尼将少女变成树的微妙过程处理得出神入化。而作品的最高超之处还在于，贝尔尼尼在两个人中表现了两种运动方向——阿波罗是向前跑动的水平运动，而达芙妮则显示为一种向上伸展的垂直运动。极具动感的戏剧化场面和细腻的细节刻画构成了独特的视觉享受。
《抢劫皮耶尔塞福涅》取材自希腊神话，贝尔尼尼创作它的时候，年仅24岁。相传，皮耶尔塞福涅是谷物女神刻瑞斯的女儿。她在一次游玩中被冥王普路同爱上，他令大地开裂，将皮耶尔塞福涅劫持到自己的战车上，带回自己的冥国，并强迫她吞下象征姻缘不绝的石榴子。刻瑞斯丢失了女儿，遍寻不见，十分悲恸，于是对大地发出诅咒，从此，庄稼不再结实，颗粒无收。最后，还是由宙斯出面，调解了他们之间的矛盾，普路同答应每年春天放皮耶尔塞福涅回到母亲身边4个月，于是，世间的这四个月草长莺飞，万物复苏。在这件作品中，集中体现的是巴洛克艺术中的动感之美。
贝尔尼尼所感兴趣的并不是故事本身，也不是人物生死爱恨的深刻情感，他试图通过抢劫这一形式，表达出他对人体运动的理解和再现。抢劫中的痛苦挣扎变成了暧昧的半推半就，带有一种隐约的游戏感。
二、绘画
巴洛克式绘画的代表人物，是佛兰德斯的鲁本斯。
彼得·保罗·鲁本斯（1577-1640）是佛兰德斯的着名画家。佛兰德斯原指比利时、卢森堡、瑞士和法国东北部的一部分地区。鲁本斯的父亲原是安特卫普的着名法学家，因信奉新教、逃避宗教迫害而逃亡到德国。鲁本斯就是出生在德国的，后随母亲返回安特卫普。他先入学校读书，后任贵族侍从，不久，即转学绘画。在学画之初，他便汲取了尼德兰民族艺术和意大利宫廷艺术的双重养分。文艺复兴盛期的绘画，尤其是威尼斯画派的作品对他产生了深远的影响。
他是一个精力十分旺盛的画家，一生创作的作品近3000件，题材涉及宗教、神话、历史、风俗、肖像、风景、动物等。除了绘画之外，他还有过一段作为外交官的政治生涯。
鲁本斯的作品，按创作时间来划分，可分为早期、盛期和晚期。早期的作品以为安特卫普大教堂创作的祭坛画《上十字架》、《下十字架》等为代表，这些作品体现出强烈的明暗对比和辉煌的色彩，以及颇具动感的S形曲线构图。其盛期的作品，充分显示出了鲁本斯的创作风格：充满动感的构图，健壮、饱满的人体和华丽辉煌的色彩，这一切都体现了画家宏大的气魄、横溢的才华和充沛的精力。他的作品，展现了一种英雄主义的激动与豪迈，繁复的构图和瑰丽的色彩，构成了视觉的盛宴。他笔下的人物，在体格与精神上，都有着超越普通人的节度，人物的身体较真实人体为大，四肢喷薄着坚实、茁壮的力量。在史诗般的庄严与富丽堂皇的色彩中，绽放出炫目的光辉。
《抢劫留西波斯的女儿》是鲁本斯一幅极具代表性的作品。在希腊神话中，有这样一则故事：众神之王宙斯化身为一只美丽的天鹅，与人间美女丽达结合，使丽达产下了一个卵，卵中孵化出了一对孪生兄弟——卡斯托尔和波吕丢克斯。这对兄弟形影不离，是罗马骑士的保护者。兄弟二人爱上了迈锡尼国王留西波斯的两个女儿，可这两个女儿已经名花有主，于是，卡斯托尔兄弟便策马前来，将两个女子劫走为妻。同贝尔尼尼一样，鲁本斯表现了一个激越、亢奋的抢婚场景，“抢劫”成了一次力量的展示。S形构图将两匹烈马和两对青年男女盘结在一个近乎方形的画面中，如同一朵怒放的鲜花绽开在人们的视野中，武士闪亮的铠甲、黝黑的皮肤，女子白皙的肌体、柔软的金发，形成色彩与质感的交响。一股旺盛的生命力，从人物健壮、丰满的体态和激动、不安的肢体语言中喷薄而出，具有强大的感染力。
鲁本斯的政治生涯，使他得以同许多王室人物有着密切的交往，而那些鲜为人知的宫廷生活也从另一方面丰富了鲁本斯的创作。组画《玛丽·梅第齐的一生》就是他这类作品中的力作。这幅组画一共21幅，描述了佛罗伦萨的无冕之王梅第齐家族中的一个后人——玛丽·梅第齐一生的命运，气势壮丽、恢弘，充分体现出鲁本斯旺盛的创作精力、娴熟的技巧和飞扬的艺术想像力。《亨利四世接受玛丽的画像》是其中之一。亨利四世是法国历史上一位很有政绩的明君，玛丽·梅第齐与他的联姻，成为当时为欧洲民众所注目的一件大事。这幅作品表现的就是亨利四世观看玛丽的画像，并与之订下婚约时的情景。亨利四世身穿威武的铠甲，既是一位英雄，又是一位君王。此刻，他正欣赏着画像中玛丽·梅第齐的容颜，智慧与胜利女神雅典娜在他身边赞美着玛丽；云端中，尊贵的神王和神后，带着守护他们的神鹰和孔雀，祝福着这一对人间佳偶。天上与人间，幻想与现实，健硕的人体和丰美的禽鸟，飘浮的云朵、飞动的丝绸和闪亮的铠甲交织在一起，绚烂、华美，充分体现出巴洛克绘画的风格。
鲁本斯笔下的女性，无论是天神还是人间的少女都有着丰盈、饱满的体态，这一审美趋向，折射出当时的人们对于穷奢极欲的物欲享乐的热爱与追求。《美惠三女神》
就是其中的代表作品。美惠三女神，是宙斯的女儿，维纳斯的侍女，她们分别被命名为“快乐”、“青春”、“美丽”，也有人认为，她们代表着美、爱欲和满足，还有人认为，她们代表着纯洁、美丽和爱情，总之，她们代表的，是世间最美好的东西。画面中，我们看到的是一派生机盎然的情景：碧草如茵，鲜花似锦，澄澈而宁馨的天籁，温柔而明媚的阳光，勾勒出大自然最美丽的图景。草地上伫立着健康、快乐的三位女神，她们健硕、丰腴的体态及她们身上洋溢出来的明媚、爽朗的气质，都同文艺复兴时期安格尔笔下的《美惠三女神》形成了鲜明的对照。这幅作品，同样体现出鲁本斯在作品中对于动感的追求，只不过，在这里，动感没有体现在强烈的形体动作上，而是通过女性身体的转折、肌肉的张弛、皮肤的皱褶来实现的。既然是美惠三女神，那么这三位女神的形象中，就一定凝结了鲁本斯对女性美最完整的理解，相传，这三位女神的模特中有两位是画家的妻子。画面右侧女神的模特是他的亡妻伊莎贝拉·勃朗，左侧的则是他后续的妻子海伦娜·福尔曼。海伦娜对此一直耿耿于怀，鲁本斯去世之后，她便想将这幅画烧毁，多亏她的教父百般劝阻，它才得以保存下来。
（第二节） 现实主义绘画
如果说，巴洛克风格的艺术，是极尽豪华之能事，充满了带有宫廷趣味的想像力和形式主义元素，那么，在17世纪的欧洲绘画中，就存在着另外一些与之相对应的作品，即大量的现实主义风格的绘画。
提到17世纪的欧洲现实主义风格的绘画，就不能不提到一个名字——卡拉瓦乔。
米开朗基罗·达·卡拉瓦乔（1573-1610），是17世纪颇具斗争精神的画家，有人将其作品划归巴洛克风格之中，也有人将他的作品称为意大利的写实主义作品，而他则称自己为一个“自然主义者”。实际上，无论从风格还是从题材来看，他的作品都是对浮华、夸张的巴洛克风格的一次反驳。他直面现实，以一种朴素而冷峻的风格表述出自己对生活的认识，即使是上帝和圣人，在他的笔下，都被赋予了一种平民的气质，而他在巴洛克美术中汲取的养分，则体现为强烈的光影效果。他的作品，具有结实的造型和令人触目惊心的明暗对比，这些都对佛兰德斯、荷兰、法国等地的现实主义绘画产生了巨大的影响。
卡拉瓦乔一生命运坎坷，他幼年丧父，生活清寒，性格暴躁，好勇斗狠，曾因一些枝节小事，与人刀剑相向，被囚禁到马耳他岛，后越狱逃亡，从马耳他回到那不勒斯，再乘船去罗马，途中被追捕他的西班牙警官抓获，投放到一个无人的海岸上，不久便在饥寒交迫中病死在那里，时年37岁。
卡拉瓦乔的作品，显示出一种“无情的真实”。在他的视野中，世界是阴郁而灰暗的，即使是被历代画家反复歌颂过的基督与圣母的形象，都失去了圣洁的光辉，而显得破败、尴尬，这或许就是现实的创伤在画家心灵中投射下的阴影。
